Doce Monos (1995)

Película un tanto extraña de ver, pero interesante y entretenida. Está dirigida por el famoso Terry Guilliam (uno de los miembros fundadores de los Monty Phyton) e inspirada en un filme francés de 1.962 llamado La Jetée. Varias curiosidades tiene esta película, entre ellas que fue la segunda película que Bruce Willis aceptó el papel leyéndose el guión, la primera fue Pulp Fiction, y otra es que Brad Pitt estuvo nominado a un Oscar y ganó un Globo de Oro y un Saturno por su actuación en esta película. Pelicula compleja de ver, con contínuos saltos en el tiempo que puede llegar a ahcer que te pierdas un poco en la trama.

La película empieza sobre al año 2.035 donde vemos que la raza humana ha sido prácticamente exterminada por un virus que asoló la Tierra en 1.996. No afectando este virus a animales e insectos, lo que les permitió hacerse los dueños de la superficie terrestre. Los humanos que han sobrevivido se refugian en bunkers subterráneos, donde los investigadores mandan a "voluntarios" (convictos) para que recogan información del exterior y poder conbatir el virus.
Uno de estos "voluntarios" James Cole, elegido por sus aptitudes de observación, es mandado al pasado, pero por error a 1.990, y allí conocerá a la psiquiatra Kathryn Railly (Madeleine Stowe) y a Jeffrey Goines (Brad Pitt) con los cuales establecerá una relación y les habla sobre el futuro apocalíptico que les espera, debido a que un grupo de ecoterroristas denominados el Ejercito de los Doce Monos esparcerá el virus por le mundo.En su segundo viaje, ya en 1.996 y a pocos días de la propagación del virus, volverá a encontrarse con los mismos personajes, siendo ese momento donde Kathryn se da cuenta de que las palabras que en un principio llevaron a Cole a ser internado en un psiquiátrico, se van volviendo realidad impactando profundamente en sus dogmas científicos. Al mismo momento, Cole se enfrenta con el desafio de mantener su cordura ante las evidencias de considerarse un loco por ser el anunciador del fin del mundo.

Hay que tomarse calma con esta película, ya que puede resultar un poco dura si se quiere ver con la mentalidad de una película de acción normal.

Adventureland (2009)

Nueva película del director Greg Mottola (Supersalidos, 2007), que nos narra el trabajo de verano de un grupo de jóvenes en un parque de atracciones de Pittsburgh. James Brennan (interpretado por Jesse Eisenberg) comocerá allí a Emily Lewin (Kristen Stewart) y surgirá la chispa. A partir de estos presupuestos tantas veces contados, el director cuenta muy bien lo que nos quiere contar: la dificultad de las relaciones humanas, la responsabilidad de nuestros actos y el nihilismo de la juventud de la América profunda, del que trata de escapar con marihuana y alcohol. Ese ambiente de sueños frustrados y acortamiento de los horizontes es uno de los puntos fuertes de la película.

El otro es la historia de amor entre los dos protas. La química entre ellos es más que intensa y los dilemas de Brennan muy woodyallenianos. Si a ello le unimos unos momentos cómicos abundantes y conseguidos, así como el ambiente ochentero, al que sin duda ayuda una gran banda sonora, tenemos como resultado una peli muy recomendable para pasar un buen rato y que esconde más de un momento de buen cine.

Danny Woodburn

Siguiendo con una de las tradiciones de este blog, hoy volveremos a referirnos al cine interpretado por actores enanos. En esta ocasión nos centraremos en la carrera de Danny Woodburn, al que muchos de vosotros seguro que os suena mucho más de haberlo visto en alguna serie de televisión que en el cine. De hecho, este actor de Filadelfia, nacido el 26 de julio de 1964, gracias a sus diversas apariciones, se ha convertido en uno de los míticos secundarios de grandes series de televisión como Baywatch (1994-1998), Seinfeld (1994-1998), Beverlly Hills 90210 (1999), CSI (2002), Embrujadas (2002-2003) o Bones (2006).En cuanto al cine, su labor no es tan grande pero no por ello menos importante. Algunos le recordaréis de una de las películas de los Picapiedra, The Flinstones in Viva Rock Las Vegas (2000) y sobretodo por uno de sus últimos papeles en uno de los taquillazos con los que hemos disfrutado en los últimos tiempos. Me estoy refiriendo a Watchmen (2009), la adaptación al cine del cómic homónimo de Alan Moore, donde interpreta a ese despreciable reo que parece controlarlo todo dentro de la cárcel... durante la película podremos comprobar que hay cosas que no se pueden controlar juas juas.Desde aquí nuestro pequeño homenaje para Woodburn, su página web, aunque en construcción, es realmente chula. Desde Cinema Gazine esperamos verle pronto en acción.

La evolución del vampiro: de Nosferatu a Crepúsculo

El mito vampírico ha apasionado al cine casi desde sus inicios, aunque la imagen del vampiro ha ido cambiando a lo largo de las décadas. Vamos a verlo.

La primera gran película que trata el tema es Nosferatu, dirigida por F. W. Murnau en 1922. De hecho es la primera peli que trata la leyenda del conde Drácula, pero este nombre no pudo aparecer en el título por problemas con los derechos de autor. El personaje de Nosferatu, interpretando magistral e inquietantemente por el actor Max Schreck, es un vampiro atávico, primitivo y tenebroso, que se acompaña de ratas y es muy, muy oscuro. Los juegos de sombras, las magníficas interpretaciones y los enfoques y tomas revolucionarios para la época hacen de esta peli una joya del expresionismo alemán y del cine en general.Después llegará la Universal con su inolvidable grupo de monstruos que han quedado para siempre en el Olimpo del cine fantástico: el monstruo de Frankenstein, el hombre-lobo, el fantasma de la ópera y, por supuesto, el conde Drácula. Será Bela Lugosi el que dé vida a este personaje por primera vez en Drácula (1931). Dirigida por el gran Tod Browning, la peli nos muestra un Drácula más aristocrático y refinado, al que sólo Lugosi, húngaro de nacimiento, podía dar ese acentro transilvano tan mítico. Inolvidable.
Ya en los 60-70 aparecerá la productora británica Hammer, a la que debemos una amplia filmografía en el género fanta-terrorífico y otro gran conde Drácula: el interpretado por Christopher Lee. Este es un Drácula más kistch, visión en la que influye que las películas ya están rodadas en color y que el mundo vive en aquellos años el apogeo del movimiento hippy y el surgimiento de la cultura pop. Ah! y como complemento mítico para Lee, Peter Cushing interpretando a Van Helsing.
Ya en los 90 aparece la versión de Francis Ford Coppola en 1992. En ella ya aparecen atisbos del conde atormentado porque tiene que luchar entre el amor de una mujer y su sed de sangre, todo ello en una atmósfera con elementos muy góticos y románticos, que nos remiten al siglo XIX.
En estos años renace la fiebre por los vampiros y aparecerá también Entrevista con el vampiro (1994) que ahondará en esa atmósfera gótica y siniestra.

En 1998 se estrena la primera parte de la saga Blade (1998, 2002 y 2004), que nos muestra a un vampiro tecnológico y experto en artes marciales, muy influenciado por el cine asiático del género, como las películas de Jet Li.
En esta primera década del siglo XXI, las películas sobre vampiros han tratado de integrar a estos en la sociedad, haciendo más hincapié en su lado humano y su capacidad de establecer relaciones con personas, ya sea de amistad o incluso de amor. Como ejemplo de las primeras tenemos Déjame entrar (2008) interesante pelíula sueca sobre la amistad entre un niño humano y una niña vampira.Como ejemplo de las segundas tenemos la saga Crepúsculo, auténtico fenómeno adolescente de masas que narra la historia de amor apasionado entre una joven humana y un vampiro, tema ya tratado en algunas fases de la entrañable serie Buffy Cazavampiros, y que sigue utilizando esa inadaptación del vampiro a la vida humana y los elementos góticos como fuentes de atracción.
No sé qué tiene el mito del vampiro que nos atrae tanto. Quizá sea esa eterna lucha entre su voluntad de ser uno más y su sed de sangre, que le hace totalmente incapaz de ello. O quizá el erotismo evidente en sus relaciones con los humanos. Lo que sí tengo claro es que seguirá habiendo películas de vampiros por mucho tiempo, y que podremos seguir disfrutando con ellas.

Del sentido de la vida y demás reflexiones filosóficas: Bergman - Tarkovsky - Allen

Hoy nos ponemos filosóficos para analizar tres películas que tratan de responder a algunas preguntas que a veces nos da por hacernos a los humanos y que nos traen de cabeza desde que el mundo es mundo.

La primera de ellas es El séptimo sello (1957) de Ingmar Bergman. Esta película nos muestra a un caballero medieval, Antonius Block (interpretado por Max von Sidow), que empieza a hacerse preguntas sobre el sentido de la vida y de la muerte, hasta que ésta aparecerá en persona para jugar una partida de ajedrez con él. Gran película en la que no me olvido de la gran interpretación de Bengt Ekerot interpretando a la Muerte, que en algunos momentos llega a verse acorralada por las preguntas de Block. Este se ve cada vez más impulsado a preguntar por aquello que no comprende, pero cuanto más pregunta menos comprende y se siente más impotente. Se nos ofrecen varias visiones a través de varios personajes, desde las más religiosas a las más incrédulas, sin que se extraiga una conclusión final. Toda la peli está impregnada de una atmósfera medieval, pero no trata de ser históricamente verídica, sino de crear un ambiente onírico, más próximo a los grabados de Durero o los cuadros de El Bosco. Probablemente, la mejor partida de ajedrez de la historia.

Andrei Tarkovsky filmó Stalker en 1979 y casi desde entonces se convirtió en una película fundamental en el género de la ciencia-ficción, pero va más allá de este género, introduciéndose y mucho en cuestiones más metafísicas y complejas como el mismo sentido de la existencia humana. Stalker presenta un mundo post-apocalíptico donde la única esperanza es la Zona. La Zona es un lugar donde cualquier sueño es posible, cualquier deseo puede convertirse en realidad. Para entrar en ella es preciso ir acompañado de un stalker o guía que conozca sus secretos. Así lo hacen un científico y un escritor.

La Zona es un personaje más de la película. Muta, parece que tenga vida propia y se empeña en engañar continuamente a los protagonistas. Pero la recompensa merece la pena: si llegan a la habitación podrán pedir lo que deseen. Ese es el problema, que una vez allí no sabrán qué pedir. Tarkovsky ofrece así una reflexión sobre la pérdida de la espiritualidad y la fantasía del ser humano actual. La escena final de la niña moviendo objetos con la mente sin darle ninguna importancia y dentro del más absoluto aburrimiento es impresionante y nos resume la idea de que el hombre ha perdido la fe en sí mismo y en su capacidad de trascender.

Problemas más mundanos pero no menos profundos trata Delitos y faltas (1989). Woody Allen narra en ella dos historias paralelas. Una es la del prestigioso médico Judah Rosenthal, que mantiene una relación extramatrimonial con Dolores Paley. Esta presionará al médico para que deje a su esposa y se quede con ella, amenazándole con airear sus oscuros manejos financieros si no lo hace. Frente a esto, Judah decide contratar a un asesino a sueldo para que mate a Dolores. A partir de ahí la película reflexiona sobre el significado de la culpa, la responsabilidad individual de nuestras propias acciones y la influencia de la religión en nuestra forma de percibir el mundo y a nosotros mismos.La segunda historia es la del mediocre director de documentales Cliff Stern, interpretado por Allen, que durante el rodaje de uno de ellos se enamorará de Jenny, que trabaja en la producción. Ésta convencera a Cliff para que deje a su mujer y cuando aquel lo hace, Jenny acabará sintiéndose atraída por otro hombre, Lester, y Cliff se quedará compuesto y sin novias. No es el único film de Allen en el que se da esta situación, al director le gusta tratar el problema de las consecuencias de nuestras acciones sobre el futuro, que a veces no podemos prever.

La película es magistral, de las mejores del director, que volverá a dar una vuelta de tuerca a este tema en Match Point (2005), y a veces dan ganas de sacar libreta y boli para tomas notas de algunos pasajes de su guión.

En fin, que si os gusta la filosofía y a veces os ponéis metafísicos, y como no sólo de libros de Nietzsche o Schopenhauer vive el hombre, os recomiendo que veáis alguna de estas tres joyitas. Seguro que no os defraudan (y si os defraudan me lo decís, faltaría más).

The Goonies (1985)

Clásico entre los clásicos del cine de aventuras... Los Goonies!!!!. Esta película escrita por Steven Spielberg y dirigida por Richard Donner, director de taquillazos como Superman (1978), Arma Letal (1987) o Maverick (1994), se ha convertido sin lugar a dudas en una de las películas más mítica de nuestra infancia. A quién no le hubiera gustado ser un goonie y lanzarse a la busqueda del tesoro de Willy el Tuerto... supongo que todos sabréis de que hablo y es que esta película no necesita que la presente ni cuente su argumento... ya que a parte de ser una peli de culto, también se ha convertido, a base de haber sido repuesta mil veces en la tele, en un clásico de sábado-tarde.

Realmente la película tiene momentos inolvidables como los diferentes trucos de Data, los hermanos Fratelli y por supuesto las diferentes secuencias entrañables que nos regalan Gordi y su coleguilla un poco monguer, Sloth. O es que a caso no recordáis ese momento lleno de ternura en el que Sloth dice esa frase de "SLOTH QUIERE A GORDI" o "SUPERSLOTH". Me hierve la sangre con la escena en la que le tienen encadenado al pobre Sloth.Por cierto, el actor que dió vida a Sloth no fue otro que John Matuszak, algunos podréis recordarle como el cavernícola gigantón de Cavernícola (Caveman, 1981), aquella película en blanco y negro en la que incluso Denis Quaid o el integrante de los Beatles, Ringo Starr, tenían un papel.Por último, no puedo dejar de hacer mención a la banda sonora de este filme, en concreto, me estoy refiriendo a la canción Good Enough de Cindy Lauper. En cuyo videoclip participaron los propios actores que dieron vida a los Goonies e incluso un final inesperado con el no menos mítico André el Gigante, sin desperdicio... ¡Qué vivan los 80!

Constantine (2005)

Película basada en un cómic de Hellblazer. Como curiosidad, este personaje fue creado por Alan Moore (V de Vendeta, Watchmen) como un secundario en el cómic La Cosa del Pantano y tomando como inspiración a Sting (sí, el cantante).
Constantine tiene un don desde que era pequeño, puede ver ángeles y demonios. Ante esta situación, decide suicidarse, pero no lo consigue quedando su alma condenada al infierno. En ese momento, decide aliarse con el lado del bien para intentar salvarse. Pero su adicción al tabaco, fuma más de 30 cigarros al día desde que tiene 15 años, le lleva a desarrollar un cáncer de pulmón que le condena a la muerte, estando el diablo frotándose las manos en el infierno ya que él mismo irá a recoger su alma una vez muerto.
Conocerá a una policia, Angela Dodson (Rachel Weisz), cuya hermana Isabel se "suicida" lanzándose desde la terraza de un hospital psiquiátrico. A partir de entonces Angela busca a nuestro anti-héroe para esclarecer las causas de su muerte, ya que no cree en su suicidio al ser una fiel cristiana. A partir de este momento, una escéptica Angela, la cual es igual de creyente que su hermana pero no cree que los demonios puedan estar por la tierra andano, irá introduciéndose en el oscuro mundo en el que vive Constantine. Incluso haciendo una visita al infierno, ya que tanto ella como Isabel tienen un don.

Ahora se está preparando la segunda parte de esta película, que se estrenará en el 2.010 y con Keanu Reeves otra vez como Constantine, y en ella se nos desvelarán cosas de la vida de este misterioso personaje.

Tim Burton en el MoMA

Mañana se inaugura una exposición retrospectiva de Tim Burton en el MoMA de Nueva York. En ella se podrá disfrutar de todas las facetas de Burton, desde la obvia de director de cine hasta la de fotógrafo o dibujante. Por las imágenes que he podido ver, la muestra promete bastante así que si vais por Nueva York, y os gusta este gótico director, debería ser un plan obligado. Yo os dejo con la web de la expo y con el video que los míticos chicos de La Hora Chanante le dedicaron a Tim Burton.

Homenaje a un director: Takeshi Kitano

Estábamos tardando ya en hacer un homenaje a este coloso del cine japonés: el gran Takeshi Kitano. Podemos decir que Kitano se hizo indirectamente famoso en España a través de aquel mítico y entrañable programa que emitía Telecinco los fines de semana y que llevaba por título Humor Amarillo (en su versión original se llamaba El Castillo de Takeshi). Digo indirectamente porque no todo el mundo sabe que este programa fue creado por él. Para mí, alguien capaz de crear esta joya de la televisión mundial tiene todos mis respetos, o ¿acaso no es la vida a veces un puente colgante que hay que cruzar mientras recibimos cañonazos de Nakasone, o un laberinto del Chinotauro en el que no sabes qué te vas a encontrar? Desde aquí reivindico el Castillo de Takeshi como metáfora de la vida. Queda dicho.

Pasando a examinar la carrera cinematográfica de Kitano, no me detendré en todas sus pelis, sino sólo en aquellas con recuerdos entrañables para mí. La primera obra suya que recuerdo es Violent Cop (1989), cuyo título en japonés era Sono otoko, kyoubo ni tsuki, que viene a significar "Este hombre lleva la volencia consigo" (pena de traducción, el título original me parece glorioso). Y lo cierto es que las primeras pelis de Kitano giraban todas en torno al personaje del poli violento, como en este caso, o bien del yakuza vengativo y desarraigado que se tomará la revancha contra un entorno hostil. Ejemplos de esas últimas son Sonatine (1993) o Hana-Bi (1997). Destaca en ellas la extrema violencia pero también cierta sensibilidad muy japonesa, esa que nos muestra la sangre como un elemento dramático más, a veces tan exagerada y antinatural que le da un punto irreal y a la vez muy trágico. Esto a Tarantino le encanta y lo utiliza mucho en sus pelis, pero los japoneses llevan haciéndolo decenios.
Después de esta fase yakuza parece que al director le entraron ganas de explorar nuevos territorios creativos y así filmará dos joyitas. Una es El verano de Kikujiro (1999), donde un niño emprende junto a un adulto bastante impresentable (interpretado por Kitano, claro) un viaje a la búsqueda de su madre. Los lazos que se irán creando entre ellos, las escenas cómicas y los variopintos personajes con los que se irán cruzando hacen de esta peli mi preferida del director (junto a la siguiente).La siguiente es Dolls (2002), que narra tres historias entrecruzadas y muy tristes. Kitano compara a los seres humanos con marionetas de bunraku (teatro de marionetas tradicional japonés) que no saben bien cómo enfrentarse a su trágico destino. Impresionante película, no me olvidaré nunca de la historia de los dos amantes unidos por una cuerda (recuerdo inevitable a las rocas "casadas" de Meoto Iwa) sin que ella articule palabra durante el metraje. Por cierto, desde aquí recomiendo a todo el que tenga la oportunidad que acuda a un espectáculo de bunraku, a mí me dejó alucinado.

Últimamente, y después de realizar una gran versión de Zatoichi (2003), el samurái ciego, Kitano ha abordado temas más ligeros y, para mí, sus pelis han bajado bastante en su calidad, apareciendo cierto ombliguismo, como se puede ver en su trilogía formada por Takeshis' (2005), Glory to the Filmmaker (2007) y Achilles and the Tortoise (2008). su última peli hasta la fecha. En ellas aborda temas como la crisis de creatividad del autor y el papel del artista como contador de historias.
Esperamos con ansias nuevos proyectos de este director, que nos enseñó que un yakuza solitario también puede tener su corazoncito. Banzai, Kitano sensei!

El Laberinto del Fauno

Una obra de arte de Guillermo del Toro, obtuvo 7 premios Goya en 2006 de las 13 nominaciones a las que optaba, 3 Oscar, y 8 nominaciones a los premios Bafta.

La película relata un espectacular viaje por la imaginación de una niña llamada Ofelia (Ivana Baquero), que se ve obligada acompañar a su madre, Carmen (Ariadna Gil), embarazada de Vidal (Sergi Lopez), un cruel capitán de la guardia civil franquista en la época de la postguerra civil (1944), a un molino en medio de los montes gallegos, en los que se esconden algunos supervivientes de la resistencia republicana.
Ofelia descubre que son ayudados por Mercedes (Maribel Verdú), que dentro del molino hace las veces de criada pero por las noches sube al monte a ayudar a su hermano y al resto de acampados, igual que el doctor (Alex Angúlo), que mantendrá sus honor y sus creencias hasta el final, esto hará aumentar el lazo casi familiar que se crea entre Ofelia y Mercedes. En los alrededores del molino la niña encuentra las ruinas de un laberinto, donde conoce a un fauno (Doug Jones), que le cuenta que ella es la princesa de su reino y para comprobarlo tiene que superar tres pruebas, entre hadas, sapos gigantes, faunos y libros mágicos, la niña vive su aventura fantástica intercalándola con la realidad del momento, intentará salvar a su madre, que está muy débil tras el complicado parto de su hermanito.

Las impactantes imágenes de los asesinatos a sangre fría y las torturas a los insurgentes por parte del capitán y el resto de guardias ponen el punto realista a la historia, por otra parte, el maquillaje y caracterización de los personajes fantásticos te traslada por completo a su mundo.

Una de las mejores películas de fantasía hechas últimamente. Hay que verla.

Banksy: cine y arte urbano

Banksy es un artista urbano inglés cuya identidad real permanece oculta. Sus trabajos, que la mayoría de las veces son planchas o stencils como dicen los ingleses, tratan multitiud de temas, pero casi todos llevan implícita una crítica al sistema capitalista con referencias a acontecimientos recientes de la vida política o social y a iconos de la cultura pop. También hace parodias de cuadros famosos y de vez en cuando hace alguna travesura en museos famosos. Os recomiendo bucear por la red para ver sus trabajos y ojear su web donde os podréis descargar algunos de ellos (ya que este artista afirma no sacar ningún tipo de provecho económico de sus obras).

Aquí os mostraré tan solo alguno de sus trabajos relacionados con el cine. Mítica es la plancha con un policía registrando con guantes esterilizados la cestita de Dorothy del Mago de Oz, que no acaba de creerlo. Brutal la que mezcla la famosa foto ganadora del Pulitzer de la niña vietnamita huyendo del napalm, a la que Banksy acompaña de Mickey Mouse y Ronald McDonald. Y muy famosa, la que nos muestra a Samuel L. Jackson y a John Travolta empuñando bananas en Pulp Fiction.
Estos son sólo algunos ejemplos, pero os recomiendo ver sus pinturas en el muro de Palestina y todas esas ratas con las que ha ido poblando Londres, que nos dejan mensajes con los que reflexionar mientras esperamos al autobús.

Kenny Baker, las entrañas de R2D2

Si ayer hablabamos de Anthony Daniels (C3PO), hoy no podíamos dejar de hablar sobre quien ha sido su inseparable compañero a lo largo de todas las películas de la saga de StarWars. Efectivamente nos estamos refiriendo a Kenny Baker, el actor enano que daba vida al androide R2D2, metiéndose en su interior.Este actor británico nacido el 24 de agosto de 1934, fue requerido por vez primera por el maestro George Lucas en 1977 para La Guerra de las Galaxias, de nuevo intevino en El Imperio Contraataca en 1980 y por supuesto tres años después en El Retorno del Jedi. Y como no podía ser de otra forma, también contaron con él para que volviera a meterse dentro de R2D2 en La Amenaza Fantasma (1999) y en El Ataque de Los Clones (2001). Pero la carrera de Baker no se limita a StarWars, también podemos verle en películas míticas, algunas ya comentadas en este blog, como Flash Gordon (1980), Dentro del Laberinto (1986) o Willow (1988). No olvidéis de echar un vistazo a su web oficial. Desde aquí nuestro homenaje a este pequeño gran actor que tan buenos momentos nos ha hecho pasar.

Anthony Daniels, el alma de C3PO

Este actor británico, nacido el 21 de febrero de 1946, fue el encargado de dar vida al entrañable androide C3PO de la saga planetaria StarWars. Daniels, actor dedicado principalmente al teatro, al recibir la oferta de George Lucas para interpretar este papel, no quedó nada convencido ya que la idea de interpretar a un robot no le gustaba nada. Sin embargo, al leer más en detalle el guión, se tomó este papel como un reto, ya que pensó que nadie mejor que él podría interpretar este personaje y llevar a cabo la difícil labor de dotar de personalidad a un robot.
Realmente, creo que lo consiguió y de una manera bastante magistral, sobre todo teniendo en cuenta lo difícil que debería resultar, al llevar el armazón de C3PO, transmitir cualquier tipo de sensación o matiz interpretativo. De hecho junto con Kenny Baker, han sido los dos únicos actores que han participado en todas las entregas de la saga. Si queréis conocer más cosas sobre este actor no dejéis de visitar su web oficial. Desde este blog lanzamos un gran ¡BRAVO! para Anthony Daniels.

Golpe en la pequeña China (Big Trouble in Little China)

Vuelo a escribir sobre esta asociación de actor - director que tan buen resultado dió en La Cosa, aunque en esta ocasión nos pasamos a la comedia.Narra la historia de un camionero, Jack Burton, que se dedica a llevar mercancias a China Town donde tiene grandes amistades, sobre todo con Wan Chi, aunque le gane una gran cantidad de dinero. Miao convence a Jack para que le acompañe al aeropuerto a recoger a su prometida Miao Yin, que tiene la articualiridad de ser una china de ojos verdes. A su llegada al aeropuerto, Miao Yin es secuestrada por una banda mafiosa china, liderada por Lo Pan y sus secuaces sobrenaturales, los Tormenta.
En este momento nuestros dos protagonistas se verán introducidos en un mundo de magia y superstición, acompañados por Egg Shen, mago bueno con poderes sobrenaturales, y por la periodista Gracie Law, qeu tiene tambien la particularidad de tener los ojos verdes, con lo cual llamará la atención de Lo Pan y también la secuestrará, para sacrificarla junto a Miao Yin y alcanzar así la eterna juventud.
A partir de este momento, Jack se encontrará con cosas que no comprende y que no creía hasta ese momento, luchando a su estilo contra ellas.

Entretenida pelícual de esta dupla, que se repitiría en más ocasiones, y que nos lleva a divertidos y emocionantes momentos.

La felicidad de los Katakuri (2001)

Pocas películas he visto a las que se les pueda aplicar con más propiedad el adjetivo "inclasificable". Está dirigida por el prolífico Takashi Miike, que tan pronto te hace descacharrantes adaptaciones de mangas como Zebraman (2004) o Yatterman (2009), antologías del sadismo escatológico como Audition (1999), spaghetti westerns a la japonesa como Suykiyaki Western: Django (2007) o pelotazos taquileros en Japón como la saga Crowns Zero (2007 y 2009), adaptación del manga del mismo nombre.

La peli que nos ocupa hoy se puede considerar un musical tétrico con secuencias de animación y mucha comedia (ahí queda eso). Nos cuenta la historia de los Katakuri, una familia pelín friki que monta un hostal en un pueblecito japonés muy bucólico. Al principio no tienen clientes, pero después empezarán a llegar, y ahí empezarán los problemas... No cuento más, pero no puedo dejar de recordar la escena en que una pareja formada por un luchador de sumo y una chica menudita llegan a hospedarse al hotel. Una vez en su habitación, durante la noche se oye un estruendo, y los Katakuri se encontrarán con el cuadro de dolor de la chica sepultada bajo el inmenso sumotori, que murió tras descargar demasiada energía sexual sobre ella. Escena imperecedera.

Os dejo con la secuencia de animación que abre la película. No os puedo decir que viéndola os vayáis a hacer mucha idea del tipo de peli que es, pero creo que merece la pena por su alejamiento de lo que estamos acostumbrados a ver por esos lares cinematográficos.